MULA BLANCA

La condición de diplomático de tu padre produjo, por así decir, que tu infancia y adolescencia transcurrieran en países de Latinoamérica y Europa.

No quisiera armar una cronología estática porque rehúyo vivir en un tiempo fechado. Pero sí puedo decir que a los dos años viajé a Estocolmo (Suecia) y los aproximadamente dos años vividos allí fueron de los más decisivos de mi vida. Guardo imágenes muy vívidas de la casa, la escalera, del crujido de sus pisos de madera, de Emma Brisa, una yugoslava que me cuidaba, de mi madre que escribía cuentos ilustrados por ella  —yo corría cada mañana a preguntarle cómo seguían—, de la nieve por la que me deslizaba con un trineo y del bosque que se veía desde la ventana. Cuando escribo procuro que las cosas lleguen a mis sentidos como lo hacían en esos días en que eran presencias que maravillaban, libres aún de los significados que opacan la percepción del mundo. Después vinieron años más oscuros. Pasábamos un tiempo en Buenos Aires y volvíamos a partir. Viví el desarraigo, las despedidas, la impronta de lo extraño. Poco recuerdo de mi estadía en Lima. El impacto de México sigue obrando en mí, Bogotá en mi pre-adolescencia también dejó rastros entrañables. Fue importante para mí vivir en otros países latinoamericanos, respiré sus atmósferas, otros colores y otra cadencia del idioma compartido, que también se trasladaron a mi poesía. A los quince años estuve de nuevo en Europa, en Berna (Suiza) y de allí volví a la Argentina donde terminé la escuela secundaria. Luego volví a Suiza, pero esta vez sin mi familia: fui a estudiar filosofía en la Universidad de Ginebra. Me faltaba un año para terminar la carrera cuando volví a Buenos Aires, donde algunos poemas míos comenzaron a salir aquí y allá, en suplementos, revistas, etc.,  y publiqué mi primer libro. 

Tu madre ilustraba sus cuentos y de vos se han reproducido en la Red dibujos a la tinta siendo presentada como artista visual. ¿Expusiste en muestras individuales o colectivas?

Sí, mi madre dibujaba y tejía tapices. Creo que ella me transmitió la poesía sin darse cuenta. Durante mucho tiempo pensé que la poesía me había llegado a través de la gran biblioteca de mi padre que era un lector hedonista y empedernido, pero actualmente intuyo que su transmisión vino por cauces más invisibles que tenían que ver con esa secreta concentración que mi madre dedicaba al dibujo y a los tapices. Y lo advertí al conectarme yo con el dibujo y la pintura, aunque en mi caso es una actividad marginal, puramente lúdica, no ocupa el lugar central que doy a la escritura. No sería serio de mi parte hacer muestras ni ningún gran movimiento hacia el mundo con mis dibujos y pinturas, dado que es algo a lo que no me dedico sino que lo practico esporádicamente por puro gusto, quizá una manera de continuar el secreto materno, mínimas puntadas en las tapas negras de los libros de hilos editora, como figuritas de un pequeño teatro de cartón.

Tu padre, Máximo Etchecopar, además de haber publicado el poemario “Breve y varia lección”, entre otros volúmenes ensayísticos dio a conocer “Lugones o la veracidad”, “Esquema de la Argentina”, “Con mi generación”, “El fin del Nuevo Mundo: sobre la independencia de los pueblos americanos” e “Historia de una afición a leer” (en la edición de Editorial Universitaria de Buenos Aires, se añade en la tapa: “Ortega, nuestro amigo”). Y el amigo mentado es el filósofo español José Ortega y Gasset, fallecido un año antes de que vos nacieras. Establezco así mi invitación, Dolores, a que nos hables de tu padre escritor y de lo que a vos te halla llegado de la amistad entre él y Ortega.

“Breve y varia lección” es un libro de aforismos. Mi padre era un lector fervoroso de poesía pero de su autoría solo editó prosa. Su amistad con Ortega y Gasset representó para él, creo yo, el encuentro más decisivo de su vida. Ortega distinguió la mirada de mi padre en medio de una multitud de personas que habían ido a escuchar una de sus conferencias, y a partir de allí empezó una amistad entrañable. Mi padre era muy joven por entonces, estaba más cerca de los veinte que de los treinta años; salir a caminar con Ortega todos los días que duró su estadía en Buenos Aires, fue una iniciación al pensamiento, a la manera de los discípulos de Sócrates que también pensaban conversando y caminando. En reiteradas oportunidades me volvía a contar la diferencia abismal que él había experimentado entre el acceso fulgurante, instantáneo, al fluir del pensamiento de Ortega, y el de otros intelectuales que tuvo ocasión de frecuentar. Fue un deslumbramiento para él que se prolongó  a lo largo de toda su vida, hizo que  su propio pensamiento diera un giro radical hacia un pensamiento historicista. También Ortega, que era un filósofo que escribía con la elegancia de un literato, reunió en mi padre su afición por la literatura y por la filosofía. 

Con las poetas Claudia Masin y María Mascheroni condujiste “El Pez Que Habla”, grupo de acción poética.

Sí, ocurrió en la bisagra de los siglos XX y XXI; fue una experiencia breve pero muy intensa en la que armábamos dispositivos de toda índole para crear atmósferas propiciatorias de las lecturas de poesía que tenían lugar allí. Un modo de realzar la voz de los poetas con un despliegue de sonidos, luces, imágenes, que aportaban un plus sensorial a lo impalpable que trae la poesía. Lo hacíamos en un espacio muy bello que yo tuve en esos años, diseñado con una estética Hundertwasseriana, que se llamó “Bar Beckett”. También Zulma Ducca, música y compositora, formaba parte del cuarteto de “El pez que habla”. Me quedo con la imagen de la poeta venezolana Patricia Guzmán leyendo su maravilloso “El poema del esposo”, y el último día, el sonido de los tambores japoneses tocando en vivo.

Y unos años después… “Santo Cielo”.

Sí, otro espacio creado para acontecimientos poéticos, teatrales y alguna que otra muestra de pintura. En los dos casos y por distintos motivos, la aventura se interrumpió antes de lo esperable. Umbrales de un sueño que se reinventa, ojalá venga un tercer episodio. Una lectura a destacar fue la de Lorenzo García Vega, el extraordinario poeta cubano que esa noche memorable del año 2005 vino a “Santo Cielo” de la mano de Reynaldo Jiménez.

La Editorial llega más tarde.

“Hilos Editora” nació en el 2010 y de los tres proyectos es el que más está durando, seguimos en plena tarea, tratando de crear un catálogo de libros que por distintos motivos nos hacen mella. Se trata de una editorial independiente, hecha a pulmón, por eso vamos lento, poniendo un cuidado especial en el armado del libro, en sus tapas y en cada detalle. No recibimos originales sino que vamos nosotras (María Mascheroni, María del Carmen Colombo y yo) a los autores que programamos editar a pedirles algún material. Forman parte del catálogo poetas de distintas generaciones y nacionalidades. Los argentinos: Diego Muzzio, Claudia Masin, María Mascheroni, Cristian Aliaga, Laura Klein, Mónica Sifrim, Lila Zemborain, Sebastián Salinas, María del Carmen Colombo, Paulina Vinderman, María Julia De Ruschi, Leopoldo Castilla, Graciela González Paz, Inés Aráoz, Víctor Redondo. Patricia Guzmán, poeta venezolana; entre los poetas traducidos: Georges Schehadé, Jerome Rothenberg, Antonella Anedda, Milo de Angelis. Ahora inauguramos una línea de ensayos poéticos con las “Notas sobre poesía” de Paul Valéry, una selección y traducción de textos que hizo Hugo Gola.

¿Has recibido cartas que atesores?

Sí, cartas entrañables de poetas muy admirados como René Char (la tinta se está desvaneciendo por haber estado expuesta a la luz durante mucho tiempo), Humberto Díaz Casanueva, Edgar Bayley, entre muchas otras; celebro que me hayan tocado años en los que el mundo virtual todavía no había abolido las cartas! 

Algún indicio en Internet me dio a entender que conociste personalmente a la escritora uruguaya Marosa di Giorgio (1932-2004).

Cuando conocí a Marosa, en una lectura que hizo en Buenos Aires, la primera vez que vino, fue un antes y un después. Escucharla fue sentir que se abrían todas juntas las puertas de la poesía, era asistir al sueño despierto de una voz intemporal que se colaba por los poros de la lengua, sin barreras, sin censuras, pura eclosión de la inagotable infancia del lenguaje traída al centro de la escucha por la delicada fiereza hipnótica de Marosa, con quien me crucé pocas veces; me hubiera gustado ir a sus tertulias en la mítica confitería de Montevideo, pero no pudo ser. Apenas la frecuenté, después de los recitales, en algún bar donde ella se mantenía hierática y tersa. Me llegaron sus palabras en una postal cuando leyó un libro que le envié; era sumamente gentil e inasible fuera del círculo encantado de su voz.

“La noche es el país de la poesía” afirmaste en un blog local, y “No hables tan rápido delante de la noche” sería el título de tu próximo libro, leí en otro.

El título “No hables tan rápido delante de la noche” ya lo descarté porque me dijeron que un escritor español tiene un título muy parecido. Por ese motivo sigo buscando un nombre para el libro inédito que ya tengo casi listo para ser editado. Quizá lo haga a comienzos del año que viene. Se trata nuevamente de un libro de poemas.

Sigo pensando que la noche es el país de la poesía aunque desde hace unos años escribo más de mañana. Pero la noche sigue siendo ese tiempo de suspensión de los dispositivos del mundo, de las ocupaciones con que el día nos distrae. La noche no nos impone horarios ni tareas, la vigilia y el sueño juntan allí sus manos. 

Pasiones y entusiasmos. ¿Dirías que has ido pudiendo, en general, distinguirlos y entregarte a ellos acorde a la gravitación?

Sí, eso creo. Pasión y entusiasmo me depara la poesía, que también está en cierto cine, en cierto teatro, en algunos cuadros y esculturas, en cierta danza, en cierta música y también en dominios que no son del arte, como en los encuentros que nos dan alegría y nos rescatan de la inmovilidad de nuestras costumbres sentimentales y de pensamiento. Momentos de contemplación de ciertos instantes de un paisaje también son de la poesía. La lectura es una de mis pasiones. Me entusiasman algunos espacios habitados de  las ciudades antiguas, de algunas casas, las librerías de librero, los bares antiguos, algunas calles. Hay objetos que me entusiasman también, por lo que sugieren, marionetas, cajas, fotos, estampas, juguetes antiguos, relojes de arena, lupas, los libros, los lápices y los cuadernos, los diccionarios, los cuentos infantiles ilustrados, etc. 

En la novela “El hombre duplicado” de José Saramago, me detengo acá: “Eso que cierta literatura perezosa ha llamado durante mucho tiempo silencio elocuente no existe, los silencios elocuentes son sólo palabras que se quedan atravesadas en la garganta, palabras engastadas que no han podido escapar de la angostura de la glotis.” ¿Comentarías, vincularías…?

Dicho así, despectivamente, como lo hace Saramago (no leí “El hombre duplicado”), “silencios elocuentes” suena a retórico, a falso, y… sí, las palabras se prestan para todo tipo de usos. Pero hay otro silencio, el que habita la poesía, que no es “elocuente”, sino todo lo contrario, un silencio vacío de significado que permite que el poema irradie muchos sentidos, uno o varios en cada lector. Es el silencio que salva al poema del poeta, de los saberes que lo llevan a querer utilizar el poema para informar sobre algo que él ya tiene cocinado de antemano en su mente. Cuando es así el poema resulta un mal poema, uno que nace muerto, porque dice únicamente lo que dice, no abre un espacio radiante, necesario para la comunión entre un poema y su lector. El silencio es tan intrínseco y necesario al poema como las palabras. El silencio del poema nos garantiza que estamos siendo invitados al misterio del mundo, a contactar con aquello que abisma el lenguaje y nos deja sin habla pero en comunión con el misterio en el que estamos inmersos.

¿Con qué autores —de renombre— “no te pasa nada”? Y por extensión, ¿con qué directores cinematográficos, con qué artistas plásticos?

Es aventurado proclamar de una vez por todas con qué autores de renombre “no me pasa nada”. Me ha sucedido que en ciertas etapas no me decían nada determinados autores que más tarde sí me hablaron, porque yo estaba preparada para escucharlos. Hay otros autores que ni siquiera llegué a leer porque imaginé que no me pasaría nada con ellos. Puedo decir que en términos generales no me pasa nada con los autores en los que predomina una intención didáctica, una militancia exterior a la escritura, con los moralistas, con los que hacen de la trivialidad auto-referencial una cruzada anti-lírica, con muchos narradores que no ocasionan una experiencia de la escritura misma, que solo apuestan a lo argumental. Resulta más fácil nombrar a artistas destacados de otros campos: no me pasa casi nada con pintores como Fernando Botero, Dalí, cierto Picasso, Marinetti y otros pintores futuristas; los directores de cine Greenaway y Chabrol tampoco me han interesado, para nombrar dos representantes del cine de autor que es el que prefiero

¿Qué opinás del pasado?

 ¡Qué enorme pregunta! ¿Cómo contestar a eso? No tengo una vivencia estática del pasado, como si fuera un lugar de escenas cristalizadas en el tiempo, sino como algo que se mueve conmigo, que cambia y se actualiza según lo que voy pudiendo destilar. No me llama volver al pasado si éste no modifica mi presente y se modifica en él. Creo que todos los tiempos confluyen en el presente que es donde operamos, vivimos, escribimos…; lo que no sigue sucediendo con nosotros son interpretaciones que inmovilizan nuestras almas.

¿Rol que cumple la literatura en la actualidad?

Yo diferencio literatura de poesía, y prefiero hablar de esta última. El rol de la poesía en el mundo actual sigue siendo despertar al lenguaje que nos atraviesa día a día, lastrado y opacado por los discursos de los poderes dominantes que capturan nuestro espíritu, nuestras emociones y nuestro pensamiento, esterilizando la soledad de cada ser humano. La poesía nos recuerda que nada nos pertenece, que somos vulnerables a lo inconmensurable, que pretender apoderarnos de los significados nos empobrece y nos aísla, que hay un hambre que es del alma, que somos creadores de mundos, que cada uno de nosotros es impar, único, por eso la voz para llegar a otro tiene que volverse singular, para no quedar presa en la jaula del ego. La poesía requiere de lectores dispuestos a una entrega activa, a salirse de las velocidades alienantes del sistema para experimentar otra duración, otra percepción del mundo.

¿Practicaste o practicás algún deporte? ¿Cuáles te hubiera gustado practicar?

No practico deportes. En la infancia y adolescencia subía de un salto a los caballos y andaba sin montura. Antes, en la primaria, era buena corriendo y saltando en ancho, por lo que mi padre —que mostraba un optimismo desmesurado cada vez que yo me destacaba en algo— pensaba que llegaría a las olimpíadas! Nunca volví a practicar ninguna de esas actividades. Hace muchos años probé esquiar y me encantó, era como volar. Pero tampoco volví a intentarlo porque me resultan demasiado ajenos los lugares preparados para esos deportes, como también los clubs, los gimnasios, etc. Me hubiera gustado mucho practicar algún arte marcial.

¿Cómo es un día de tu vida? ¿Dista extraordinariamente tu transcurrir del que te imaginabas cuando eras una veinteañera?

En un sentido dista bastante de lo que imaginaba cuando era una veinteañera. Entonces no imaginaba rutinas sino aventuras, encuentros arrebatadores y toda clase de excesos que nunca viví de un modo que me deparara felicidad; excesivos solo fueron mis errores. En otro sentido hay una continuidad, sigo escribiendo, me entusiasman la mayoría de las cosas que ya me gustaban a los veinte años. Mis días no son siempre iguales, pero suelo despertarme entre las ocho y las nueve de la mañana. Hago un poco de yoga y trato de caminar media hora todos los días para compensar el tiempo de lectura y de computadora. Después leo, contesto mails, me ocupo de temas de la editorial, escribo cuando surge, a veces solo anoto palabras, frases. Después, cerca del medio día efectúo esas actividades que me resultan muy penosas, como son los trámites de todo color y especie. Vivo con mi hija Camila; Marco, mi hijo mayor, vive solo pero viene seguido a casa. Mis dos hijos ocupan un lugar central en mi vida, saber que están en el mundo me sostiene el corazón. En ocasiones salgo a almorzar con ellos o almorzamos en casa, aunque muchas veces nuestros horarios no coinciden. Los fines de semana paso toda la mañana en un bar de mi barrio, siempre el mismo, donde leo y escribo. Espero con ansiedad ese momento. El resto del tiempo lo dedico a distintas actividades que van surgiendo con la vida. Me gusta ir al cine y al teatro. Prefiero encontrarme con los amigos, con uno o dos a la vez, antes que las reuniones de mucha gente. Pero soy impaciente y después de un rato de estar acompañada quiero volver a mi soledad.

¿Te has obligado a leer la obra, o buena parte de ella, de autores que no te entusiasmaban? ¿Qué leés que no sea literatura?

No, nunca me impuse leer lo que no me gusta. Por eso no habría podido estudiar la carrera de letras, por ejemplo. Siempre leí con placer y si cuando empiezo un libro no me pasa nada, lo abandono inmediatamente. Fuera de la literatura, leo ensayos, filosofía, algunas biografías. Hay lecturas que cada tanto me propongo realizar, algo de la ciencia o de historia, pero por algún motivo lo voy postergando.

Jorge Luis Borges en su prólogo a la “Antología Poética” de Leopoldo Lugones afirma: “La presencia de Hugo es evidente en ‘Las Montañas del Oro’; la de Albert Samain, poeta menor, en ‘Los crepúsculos del jardín’; la de Laforgue, en el ‘Lunario sentimental’”. Y más adelante sigue: “Dos altos poetas americanos, Ramón López Velarde y Ezequiel Martínez Estrada, heredaron y trabajaron su estilo [el de Lugones], más afín a ellos que a él.” ¿Qué presencias o herencias dirías que pudieran advertirse en tu poética?

Tuve muchas influencias a lo largo de mi vida. Rimbaud, Federico García Lorca, César Vallejo, Jacobo Fijman, Héctor Viel Temperley, Paul Celan, Ungaretti, Michaux, Francisco Madariaga, Mark Strand, para nombrar solo a algunos de ellos (a los que sumaría influencias de otros lenguajes, como el cine de Andréi Tarkovski y el teatro de Tadeuz Kantor). No sé si la presencia de estos poetas puede registrarse en mis poemas en un sentido tan taxativo como lo plantea Borges para los autores que destaca, pero en ellos ciertamente encontré revelaciones fulgurantes y propiciatorias para escribir.

“Obras narrativas”, “Ejercicios estilísticos”, “Modelos de orquestación literaria”, “Literatura sincopada y ‘pura’”, son expresiones con las que a veces se definen o presentan ciertos textos de, por ejemplo, Peter Weiss y Samuel Beckett. ¿Algún comentario?… 

No leo mucho este tipo de crítica literaria, en la que pululan términos y conceptos de la índole de los mencionados en la pregunta. De Peter Weiss solo vi la magnífica versión cinematográfica que hizo Peter Brook de su obra sobre la representación de la muerte de Marat. La lectura de Beckett, su escritura crítica, siempre me resultó profundamente atractiva y movilizadora, adherí inmediatamente a la dificultad de su escritura, me resisto a encerrar en categorías académicas la experiencia única y renovada que me deparan sus textos.

 

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Entrevista realizada a través del correo electrónico: en la Ciudad Autónoma de Buenos Aires, Dolores Etchecopar y Rolando Revagliatti.

 

¿Qué es el arte sonoro?

El arte sonoro es un formato-ámbito-expositivo, que busca ser alojado en un museo, una galería o un espacio público, y se aleja de la grabación sonora para su reproducción en altavoces, salas de conciertos o grupos musicales, y que depende más de “sugerencias performativas”. Es un tema complejo y su definición está marcada más por sus diferencias que por las coincidencias.

¿Qué distingue al arte sonoro del arte radiofónico y del arte musical?

Mira, Walter Marchetti realiza un trabajo primario del arte sonoro y su obra está más vinculada a medios literarios a partir de la cual sugiere una sonoridad sin proyectar fenómenos vibratorios, es más un instructivo.  Está también, por otro lado, una obra como la de Christian Marclay quien viene de la cultura del rock y del punk, donde practica algo más próximo a una composición musical, y que con el paso del tiempo se ha venido desplazando al uso de torna-mesas y la intervención de discos de vinil con un fin más escultórico sin abandonar la necesidad musical. El disco de vinil como un instrumento desde la tornamesa como medio de expresión del disco de vinil. Su obra más lograda en términos de sonoridad es el uso de acordeones más largos de lo convencional, transformados en esculturas que no se pueden cargar, o usar, y por lo tanto no hay sonoridad de por medio, es solamente la contemplación del objeto musical en donde su presencia sugiere el sonido. Esta es una de las referencias poéticas de Mario de Vega para trabajar el sonido como medio, en piezas vinculadas a fenómenos vibratorios con varios canales, además de la espacialización del audio en un entorno. Una conjugación de los límites de la representación sonora, plástica y performática

¿Hacia dónde la lleva Mario de Vega?      

Quiero utilizar formatos de representación, por ejemplo, la fotografía sugiere eventos sonoros que son aprovechados como soporte y ayudan a producir situaciones acústicas desde la improvisación, lo cual supone modificar herramientas electrónicas o diseñar interfaces electrónicos y dispositivos que deconstruyen más que solamente emplazando formatos (se producen cortos circuitos, en algunos caso estos cortos se controlan en su destrucción), lo que significa una formalización de esta herramienta. Se pueden utilizar feedbacks como herramienta también, los factores de inestabilidad son los más importantes en el desarrollo de un trabajo como éste, donde el azar da cuenta de la imposibilidad de determinar el objeto intervenido, es la paradoja de la determinación e indeterminación simultanea, es intentar controlar situaciones de fragilidad.

En esto se encuentra la búsqueda de de Vega para localizar nuevos formatos mediante los cuales la intervención permite incertidumbre en sus interfaces, analógicos o no, que después se pueden trabajar con maquinas de tape a las cuales es posible también manipular la cinta, tornamesas o samplers, manipulaciones de aplicaciones informáticas comerciales de editores de audio o secuenciadores, pero además se pueden desarrollar software de audio personalizados. De aquí hay un salto muy distinto a manipular una computadora con agentes externos, sensores e interfaces de control. El arte sonoro, por otro lado, ha regresado a elementos muy primitivos: imanes conductores y motores eléctricos o utilizando elementos analógicos productores de sonido. Se puede trabajar con un linkser como herramienta y tomar como referencia a Otonashi Nakamura y Sachi K M quienes trabajan con una identidad de no-input mixer, utilizando la salida como entrada, lo cual genera un feedback en el aparato que puede controlarse. Además es posible trabajar con herramientas electrónicas personalizadas. Es un trabajo en muchas direcciones donde se juega en situaciones de ambigüedad, incertidumbre, inestabilidad y hasta plagio en escenarios determinados.

¿Qué herramientas como hardware / software de naturaleza semiótica son importantes para esta disciplina?

Vivimos en un tiempo donde las opciones se han maximizado, es decir, lo más difícil es escoger las opciones que tienes y para mí resulta mas fácil poner límites muy estrechos por que de lo contrario es muy difícil escoger las opciones, una o dos. Entonces vivimos afortunadamente en esta temporalidad que ofrece opciones múltiples, si necesitas trabajar edición de audio hay ciertas aplicaciones que te permiten hacerlo, si necesitas generar secuencias hay aplicaciones, si necesitas trabajar con rítmica también hay posibilidades. Pienso en aplicaciones como Pure Data, Supercollider, Max-Msp. Hoy trabajo mucho más con Rod Hodrick, un joyero que utiliza dispositivos electrónicos que él mismo desarrolla. Yo trabajo con uno de sus sintetizadores al cual lo llamó Lipovox, un instrumento pequeño que básicamente funciona con síntesis de FM modulando dos frecuencias. Esta diría sobre hardware, o un dispositivo de 9 voltios de e Jessica Rylan que se llama T_ng, un objeto que trabaja trashnoise de sonido bastante estridente. Ella tiene una compañía que se llama Flower Electronics donde diseña instrumentos  sintetizadores que generan ruido, frecuencias y vibraciones, así a lo largo del tiempo incluyo estos pequeños regalos que pongo en mis cajas.

¿Estos son hallazgos?

El software es más un hallazgo por ser público, en internet, en términos de información encontramos todo, mientras que el hardware por su condición física, se ha desarrollado con el paso del tiempo.

Decías en días anteriores que te has ido apropiando de ciertos hardwares de amigos con los cuales te has relacionado ¿Cuál sería el ideal de forma de trabajo para ir construyendo un sistema de apropiación de hardware como de software? O como tú dices de construir tu propio software cuando lo necesitas para una idea o trabajo especifico.

No lo sé, tal vez habría que estar más ligado a una posición como productor donde te sientas más cómodo, donde tienes la posibilidad de explorar lo que necesitas explorar. Habrá gente que posiblemente encuentre esa comodidad con una caja de ritmos o un sampler y quien necesite de un editor de audio. O gente que simplemente utilice un micrófono y su voz. Es complejo decir cual sería la posible metodología, para mí se trata de descubrir ciertas palabras para construir enunciados, cada uno de esos elementos funciona más como una palabra, en ocasiones son como conjunciones, artículos, adjetivos que me ayudan a construir enunciados y esos enunciados de alguna forma buscan generar sentido, va por ahí.

Hay una necesidad hoy en día que coincide con el Renacimiento de que el artista desarrolle su propio método y a partir de esa necesidad descubrir otras cosas que se aproximan a métodos científicos más que a los métodos artísticos previos, necesidades de representación o de formalización. Hoy día parece que vivimos otro “Neo” Renacimiento cuando el artista se acerca a quien hace el hardware y el software o con las líneas de investigación que, como en tu caso, necesitan trabarse multidisciplinariamente ¿Es cierto esto o como lo vives tu?

No lo había pensado en relación al Renacimiento pero ahora que lo dices creo que tiene sentido, es decir, creo que el termino de Renacimiento para la sociedad en que vivimos podría ser complicado, pero sí hay, más que un renacimiento, un proceso de desapego ante las cosas  que muchas veces  facilita y otras complica y complejiza los procesos. Ahora tenemos la posibilidad de acudir a servicios específicos, para desarrollar tal cosa puedo acudir con un ingeniero, puedo ir con un especialista en bioquímica o puedo ir con un dentista que tiene ciertas herramientas y adaptar estas herramientas a los procesos de producción artística, creo que de alguna manera desde hace algún tiempo hay un vinculo cercano con la ciencia en la producción de arte del cual, tal vez, he estado algo alejado. Sin embargo esta ahí.

El espíritu humanista del Renacimiento arropa una nueva vida artística, científica y moral, en relación con el desapego que antes mencionaste ¿Cómo se relaciona, en estos tiempos, este desapego? ¿Es psicológico, o material?

Pues es ambas cosas, en términos de fetiches, o de cómo revaloras objetos con los que vivimos, de cómo se generan filiaciones con objetos inertes, por ejemplo, la relación con tu teléfono o tu reloj, algo que anteriormente no existía y nos vuelve dependientes como nunca antes.

El desapego del que hablo está en función de la violenta cantidad de información que sufrimos. En términos mediáticos nuestra capacidad receptiva es bastante baja, el tamaño de la información es mucho mayor. La única opción ante esto es el desapego. Antes la información era de más difícil acceso. La información era para algunos cuantos, no era para todos. La información tenía que ver con estructuras sociales y de poder, ahora simplemente esta ahí. El problema hoy es cómo seleccionar la información en internet. Se pueden encontrar recetas para hacer bombas, recetas de mole. Este es el desapego del que hablo. En ocasiones nos aferramos a la necesidad de tener, pero hay que regularse, despegarse de las cosas. Yo trato de hacerlo, utilizo un color, utilizo solamente una mochila.

En medio de esta inter-mediatización y  multi-mediatización que estamos viviendo, con este bombardeo de imágenes e información del cual el internet es el ejemplo más claro, ¿cuál sería el proceso de lectura que el sujeto debería tener, el sujeto del arte, quien está inmerso en la producción artística? ¿Consumir todo lo que se le da, si es que tiene posibilidad de lectura, discernir toda esta información que se le da para tener una formación específica como la artística?

Creo que esto está vinculado a que un artista debe tener necesidades propias. Siempre en un proceso de decisión hay conflicto. Hay que decidir y filtrar entre la información para concentrarse y centrar nuestra atención en algo mientras todo lo demás esta pasando de forma desproporcionada sobre nosotros.

¿Cómo lo hace Mario de Vega?

Es más un proceso de ensimismamiento y de absorción, por ejemplo, el taller que di en la ciudad de Aguascalientes. Sucedieron muchas cosas que con el paso del tiempo, con una buena documentación audio visual, archivos sonoros, textos, se puede compartir información. Este proceso de compartir abre posibilidades y es funcional en el sentido de que ayuda a desarrollar una línea formal. Cuando veo mi trabajo en conjunto, una buena parte se relaciona con temas vinculados a la sordidez, al deterioro, al caos y al terror, y esto a su vez se relaciona con la mediatización. Sienta la responsabilidad de mostrar eso. Aunque no es tan fácil encontrar los archivos sonoros, algo muy distinto de los archivos cinematográficos, no son obras que encuentras en la tienda, por lo mismo una labor que he intentado realizar es seleccionar obras, piezas en el disco duro con la idea de compartirlas. Es un proceso que implica discusión y reflexión, el reconocimiento de un por qué y un para qué. En sesiones interdisciplinarias, por ejemplo, al mostrar el material, con gente que tiene necesidades distintas en cada una de sus disciplinas, el resultado de compartir siempre ha sido fructífero.

El siguiente plan es crear una especie de plataforma, o algo similar, en el cual se ofrezcan talleres vinculados a la electrónica para trabajar dispositivos. Cuestiones como soldar y unir componentes apropiándoselos y deconstruyéndolos de otros circuitos electrónicos que usualmente están diseñados para otra cosa. Otro plan es hacer un taller sobre hardhacking  o circuit bending. Hay muchas ideas.

¿Es una metodología de la educación artística sonora? ¿Es un giro de la educación artística de cátedras a centros de experimentación?

Sí, totalmente, el término de experimentación genera problemas, pero su generosidad es su amplia aplicación. La historia del arte no se agota en la cátedra, no hay forma de hacerlo, ya que existen procesos que no pueden llevarse a la escuela. Más que enseñarte una técnica,  a como ser “artista”, algo cuestionable, se trataría de enseñar procesos de producción y procesos de pensamiento donde a partir de ciertos referentes, se generen ciertos elementos de discusión, posibilidades de especulación y de resultados de producción que tal vez no sea la más eficaz pero tampoco la menos interesante. Elabora un proyecto, nos vemos, produce, nos vemos en dos o tres semanas y se cumple la función terapéutica de presentar y discutir. Creo que esto funcionaría mucho mejor, es de lo que a veces carecemos, incluso la parte de educar la vista y el oído, es decir, ver y escuchar de forma directa las obras, preguntar: ¿Qué es lo que quiero hacer y qué es lo que propongo yo?

De lo que estas diciendo en este momento me salta la pregunta por la situación del sujeto pero desde el cuerpo, el caso más logrado de estos artistas es John Cage, donde él va y abraza el zen en una manifestación incluso como una forma filosófica de un estilo de vida. Para Mario de Vega ¿Cómo sería tu propuesta de conformación del cuerpo y estilo de vida de un artista?

En ocasiones soy más ermitaño o más un ratón de biblioteca, disfruto el acto de buscar y presenciar eventos, como escuchar el trabajo de otra gente y compartir el tiempo con otras personas. Pero sigo buscando una dirección, estoy perdido y sin la facultad para decir  que encontré algo y espero adquirir un estado de plenitud. No es arriba, no es abajo, no es izquierda, ni derecha, es más bien un proceso de vida que abarca tropezar, padecer y gozar perder y confundirse. En fin, es tener necesidad y vacío, vacío de necesidad, de otredad, como un guía que permita fluir de forma natural. Como lo mencionas tú en el caso de John Cage es el reconocimiento del trabajo como una forma de vida.

Volviendo al caso de John Cage, él involucra al cuerpo en la pieza para que el espectador intervenga en ella mediante su percepción, el espectador con su subjetividad modifica la pieza, hay que esperar el tiempo de 4 minutos 33 segundos para luego obtener una acción de parte del espectador con la obra ¿Cómo involucra Mario de Vega a sus espectadores?

En muchas ocasiones produciendo condiciones de aspereza, situaciones de conflicto, de ambigüedad, confrontando más allá de la moralidad, desordenando situaciones comunes, problemas generalizados, con sus claroscuros, immpidiendo la situación de confort del espectador. Hay una parte de entretenimiento en el arte sonoro que es algo que me interesa, algo parecido a lo que ocurre en la sala de concierto y el cine. Hay en todo esto una parte que es muy racional y otra que busca deprenderse de tal racionalidad y compartir momentos de euforia y festividad.

En este mismo sentido del tema del espectador y tus obras, hay una cierta ideología por eliminar posturas políticas, que en el arte es más una ideología política estética. ¿Cómo le pides a tus espectadores su atención ya que es una relación semejante a la de la fabula de la rana y el escorpión?

Creo que mi obra es más bien un acuerdo determinado entre el espectador y yo. No soy el escorpión, no pienso en un pacto para chingarte, ni manipular a mi conveniencia. Más bien se trata de generar situaciones de aspereza o desapego. La realidad no es abordable fácilmente. Lo político tampoco. Todo esto es un tema complejo, no soy moralista ni tampoco asumo valores éticos elevados, aborrezco la traición es lo que puedo decir.

Podemos establecer el problema de la traición como un problema estético en lugar de un problema moral, por ejemplo, en el trabajo que a veces destruyes la interface que ofrece el programa como una solución a los conflictos del usuario, por lo que hay una disonancia con la interactividad de los programas.

Creo que se trata más bien de un primitivismo y una reducción de elementos para complejizar desde la reducción. Tales programas crean problemas técnicos que rebasan los dispositivos y de su recuperación se repite el juego de un niño que atiende problemas para su ejecución. Este tipo de juego no lo tiene la escultura, la pintura o la fotografía. En cambio, la intervención interactiva supone otro grado de complejidad

Pasemos a otro tema. Ciencia y arte ¿Es necesaria su vinculación?    

La ciencia tiene una postura más consciente, pocas veces es más utópica que el arte, su visión es más objetiva, en mi caso al relacionarme con objetos que implican un proceso científico, sólo demuestra algo, que me alejo de eso para entenderlo de otra manera. Tampoco digo que no lo practicaré, pero espero usarlo en consecuencia según cada proyecto me lo pida. A priori el uso de tecnologías implica una condición científica. El verdadero avance de la tecnología ocurre en relación a la guerra, por lo mismo queda claro que cualquier soporte tecnológico y cualquier soporte científico esta ligado a ésta, lo cual no puede sino interesarme.

¿Cuáles son las influencias disciplinarias de Mario de Vega?

Han sido muchas, más que disciplinas son personas, Teresa Margolles, a quien conocí a los 13 años ella fue la primera persona que me acercó a todo esto, fue la puesta Lavato corporise en el museo Carrillo Gil. Fue algo que en su momento no entendí, esa es mi primer referencia de un museo. Después la influencia de la música industrial como la de  Monte Casasan, Coel, The Hafle trio, etc. John Cage en específico fue gran un descubrimiento que cambio mi perspectiva y me hizo estudiar cosas que desconocía y de las cuales no tenía información alguna, Marcel Duchamp, por ejemplo, entonces al descubrir a Cage me regresé a entender qué había pasado en el siglo las dos primeras décadas del siglo XX.

¿Crees en el trabajo colectivo? ¿Y con quién lo harías?      

Si lo hice y lo haría, es difícil pero lo hago, trabajo, por ejemplo, con Víctor Mazón un español nativo de Bilbao, que estudió en el país Vasco y ahora vive en Leipzig; esto nació de un proceso de filiación. Es una persona muy brillante, él maneja materiales electrónicos y digitales proponiendo módulos-talleres, pero me siento más cómodo trabajando individualmente.

¿Qué esta haciendo Mario de Vega ahora?

En los últimos meses trabajo con receptores de alta frecuencia, no mas allá de 20 a 20 mil Hz., pues fuera de estos rangos los receptores funcionan como una antena.